La metodología del racionalismo se basó en aplicar los conceptos que surgieron en la época al momento de diseñar: practicidad, utilidad, simplicidad, comodidad, funcionalidad y sobriedad. Es decir dejar de lado el racargar los diseños y no preferir la decoración antes que la utilidad.

Esta metodología fue la que aplicaron los integrantes del Deutscher Werkbund y principalmente Peter Behrens. A pesar del paso del tiempo, muchos objetos industriales siguen realizándose con este estilo.

En la actualidad el racionalismo (en determinados rubros) es el estilo que se aplica fundamentalmente, como es el caso de los electrodomésticos.

Si observamos la forma de los objetos de la empresa Braun, que surgieron a partir de 1954, diseñados por algunos mimbros de la Ulm; se pueden notar que los fundamentos de diseño siguen siendo los mismos:
- Utilidad unida a la funcionalidad en relación con los requisitos ergonómicos.
- Diseño armónico que refleje los rasgos de necesidad, los modos de comportamiento y la nueva tecnología industrial.
- Desarrollo de la imagen total de la empresa.

Se puede ver su evolución aquí http://www.braun.com/global/company/braunvalues/design/milestones.html

Otras empresas que trabajan el mismo rubro, mantienen esta “cordura” al diseñar, ya que en ese caso (los electrodomésticos) es indispensable. En consecuencia hay una gran vigencia en el funcionalismo.

En el caso de otros objetos, como muebles, arquitectura, etc. el funcionalismo (o racionalismo) convive con otros estilos, donde ya depende el gusto del consumidor.

 Temas relacionados: Funcionalismo - Werkbund - Peter Behrens - AEG - la Bauhaus - Racionalismos

Bibliografía:
- Este post surgió por la consulta de uno de mis lectores. (Gracias ALIZZ por ayudarme a explicar mejor este tema). Cuando las preguntas son directas, las respuestas son sencillas.

1908 – 1994

Diseñador, arquitecto y artista suizo. Experimentó en la pintura y en la escultura, así como en el diseño gráfico e industrial. Fue alumno de la Bauhasus, uno de los directores de la Escuela de Ulm y una de las figuras más importantes del Arte Concreto.

Nació en Winterthur, Suiza, en 1908. Entre 1924 y 1927 estudió arte en la Academia de Artes y Oficios de Zurich, donde aprendió orfebrería. Luego de asistir a una conferencia de Le Corbusier decidió ser arquitecto, así que en 1927 ingresó a la Bauhaus, donde permaneció hasta 1929 y estudió con Gropius, Meyer, Moholy Nagy, Josef Albers y Kandinsky. Ya siendo alumno en Dessau e influido por el estilo De Stijl, empieza a planificar un arte basado en leyes matemáticas y geométricas objetivas y autónomas, completamente separadas de la realidad material.

En 1929 vuelve a Zurich para ejercer no solo como arquitecto, pintor, escultor, profesor y director, sino además como diseñador gráfico, industrial y de exposiciones. Se adhiere al grupo Abstracción-Creación durante unos años. En 1930 creó su propio estudio de arquitectura y se hizo miembro de la Deutscher Werkbund,

En 1931 se unió al Arte Concreto incluyendo este estilo en sus trabajos. Organizó exposiciones de Arte Concreto y arte de abstracción geométrica objetiva, siendo la primera en 1944 en Basilea, en esta ciudad el arte concreto se agrupaba en torno a la revista Arte de Hoy fundada por André Bloc.

Organizó la importante muestra “Arte concreto”, poco después de integrarse al grupo Allianz en 1937, esta muestra comprendió a varias corrientes que se inclinaban por la abstracción. En Suiza y con sugerencias de Van Doesburg, lanza el término “concreto”, luego lo introduce en Argentina y Brasil.

A partir de 1944 incursionó en el diseño industrial y empieza a tener más dedicación por esta disciplina. Funda el Instituto para la Cultura Progresista en 1947. Dos años después, buscando fomentar la alta calidad de sus objetos, organizó la exposición circulante “Die gute Industrieorm” (la buena forma del diseño industrial). Fue cofundador, director y profesor de la Escuela de Artes y Oficios de Ulm. Tras abandonar la escuela, fundó su propio estudio donde se dedicó a la escultura, pintura y arquitectura.

En 1956 Max Bill propone la creación de la Escuela Superior de la Forma como anexo al Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, pero esta se inaugurará siete años después como la Escola Superior de Desenho Industrial (ESDI) en Guanabara. En 1967 se hace en miembro del Consejo Nacional de Suiza y luego entra como profesor en la Staatliche Hochschule für Bildende Künste de Hamburgo y presidente de Diseño Ambiental.

Murió en Berín, 1994. Su influencia llegó hasta Argentina y Brasil, donde introdujo el concepto de arte concreto y fue una gran inspiración para varios grupos de artistas. La Escola Superior de Desenho Industrial (ESDI) se basaba en el programa de la HfG de Ulm, y fue el nuevo punto de referencia para la profesión al iniciar sus clases en 1957 en el estado de Minas Gerais. En 1963 surgió la Asociación Brasileña de Diseño Industrial, primer organismo promotor de dicha disciplina. Fue miembro de muchas academias y cargos altos en diferentes instituciones, además de las que fundó. Organizó y participó de concursos y exposiciones, ganando numerosos premios, como por ejemplo el premio Kandinskyen (1949) o el Primer Premio de escultura en la Bienal de Sao Paulo (1951).

Temas relacionados: Estilo de Max Bill – Max Bill, diseñador y arquitecto - Max Bill y el arte – Arte Concreto – Hochschule für Gestaltung

Bibliografía:
Philip Meggs. Historia del Diseño Gráfico.
http://www.analitica.com/
http://boek861.com/lib_cozar/p3_c4.htm
http://buscabiografias.com/cgi-bin/verbio.cgi?id=5795
http://www.epdlp.com/pintor.php?id=2684
http://log-art.blogspot.com/2008/04/max-bill.html
http://www.masdearte.com/biografias/articulo/biografia_bill_max.htm
http://www.mchampetier.com/sitephp/phpes/VIGN3.php?nom=Bill%20Max
http://www.picassomio.es/max-bill.html

Max Bill fue la figura principal del Arte Concreto. En su trabajo se refleja un ideal constructivista. Fue fuertemente influenciado por el Dadaísmo y el Cubismo, la escuela de la Bauhaus (donde se acercó al funcionalismo del diseño y aprendió de profesores de gran renombre) y por el estilo De Stijl de Theo van Doesburg.

Bill fue uno de los líderes del arte geométrico, no figurativo o abstracto (Arte Concreto). Se interesó por la relación entre las teorías estéticas y matemáticas. Fue discípulo de Gropius en la Bauhaus y siguió su esquema para fundar la Hochschule für Gestaltung de Ulm (Alemania).

Características de sus composiciones:
- Orden absoluto.
- Planificación de las relaciones tonales.
- Funcionales.
- Sistemáticas, programadas y realizadas con una base matemática.
- Uso de tramas.
- Están construidas con elementos geométricos esenciales.
- Tintes planos, mejor definidas como áreas de color y no de formas.
- Desarrollo seriado del color (fue uno de sus objetivos a través de toda su carrera).

Temas relacionados: Max Bill – Max Bill, diseñador y arquitecto - Max Bill y el arte – Arte Concreto – Hochschule für Gestaltung

Bibliografía:
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/bill.htm http://www.embajada-israel.es/cultura/t-agam.html
http://www.imageandart.com/arte.html
http://www.urbipedia.org/index.php/Max_Bill

Tanto en el diseño gráfico como en el diseño industrial, los trabajos de Max Bill presentan una marcada funcionalidad. Su influencia no se reduce únicamente por sus diseños sino también por sus enseñanzas, en escuelas o institutos donde trabajó o que ayudó a fundar y en las asociaciones o grupos a los que perteneció.

Fue miembro del Werkbund. Fue profesor y director de las escuelas de Zürich y Ulm. Max Bill, puede ser considerado uno de los antecedentes del movimiento tipográfico suizo, (creación de tipografías de palo seco y la utilización de la composición asimétrica).

En 1951 fundó la Hochschule für Gestaltung, en Ulm (Alemania) junto a Aicher-Scholl y Otl Aicher. Esta escuela de diseño continuó con la tradición de la Bauhaus. Fue rector y director de los departamentos de arquitectura y diseño de producción.

Sus trabajos en diseño y en arquitectura reflejan las enseñanzas de la Bauhaus, como el funcionalismo y el formalismo geométrico, enseñanzas que también defendió trabajando en la escuela de Ulm, ya que consideraba que las formas derivadas de las leyes matemáticas poseían una pureza estética universalidad.

Temas relacionados: Max Bill – Estilo de Max Bill - Max Bill y el arte – Arte Concreto – Hochschule für Gestaltung

Bibliografía:
http://www.epdlp.com/pintor.php?id=2684
http://tipografos.net/blowups/MaxBill.htm
http://www.unostiposduros.com/paginas/articul15.html#arriba

Max Bill fue un artista polifacético, se desarrolló en la pintura y en la escultura, haciendo un arte sistemático y programado. Su pintura abstracta continúa la obra de los neoplasticistas holandeses, sobre todo de Mondrian. Seguidor del estilo de Albers (típico de la atmósfera del Bauhaus, sistemático y ordenado pero también experimental).

En sus pinturas se refleja su insistencia en la utilización de una base matemática para toda forma de arte, diseños geométricos y con planificadas relaciones tonales. El desarrollo seriado del color fue uno de los objetivos principales de toda su carrera.

Organizó exposiciones de Arte Concreto (de abstracción geométrica objetiva). En 1930 editó su manifiesto en la Revista Art Concret, donde presentó un arte calculado sin expresión subjetiva.
En 1935 trabajando distintas posibilidades para una escultura colgante logró crear la Cinta sin fin (un objeto de una sola cara). Su investigación fue puramente estética y no sabía que tales superficies se conocían desde hacía un siglo, al enterarse sintió tal frustración que abandonó durante años toda investigación en este sentido. Luego superar esa decepción siguió trabajando sobre problemas topológicos y superficies de una sola cara, en el campo de la escultura, con diferentes variaciones sobre el lazo infinito en metal pulido hasta 1953.

En los 40 su estilo derivó a un constructivismo muy austero, conocido como Arte frío que surgió del arte sistémico suizo. En 1951 obtiene el Gran Premio de Escultura en la Bienal de Sao Paulo. A partir de 1953 empieza a realizar esculturas basadas cálculos matemáticos complejos y que anunciaban la llegada del Minimalismo.

Temas relacionados: Max Bill – Estilo de Max Bill – Max Bill, diseñador y arquitecto - Arte Concreto – Hochschule für Gestaltung

Bibliografía:
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/bill.htm
http://www.epdlp.com/pintor.php?id=2684
http://www.epsilones.com/paginas/i-artes1.html
http://www.imageandart.com/arte.html

1450 – 1516

Pintor holandés, de estilo Gótico, cuyas obras “El Jardín de las Delicias” y “Los siete pecados capitales” lo convirtieron en un inspirador del surrealismo. El Bosco también diseño vidrieras, como la de la Catedral de Hertogenbosch. Debe su nombre a su ciudad natal, en la que al parecer permaneció durante toda su vida.

Hieronymus Bosch, conocido como “’El Bosco’”. Nació en 1450 con el nombre de Jeroen Anthoniszoon van Aken, en Bolduque (Países Bajos) donde al parecer permaneció toda su vida. Su familia era procedente de Aquisgrán, y en ella la pintura era la forma de vida de sus integrantes, lo que probablemente le permitió educarse en el taller familiar (aunque poco se sabe de su formación inicial).

Por 1480, Hieronimus obtuvo el título de maestro, el cual era necesario para poder trabajar de manera independiente. Al morir su padre, según el sistema medieval de estamentos, el único con derecho a usar gremialmente el apellido van Aken (o cualquiera de sus variantes) era su hermano mayor; fue así que Jeroen adoptó el nombre abreviado de su ciudad natal, Den Bosch (El Bosco en neerlandés), aunque en su país ya era conocido como “Jeroen Die maelre” (en neerlandés: “Jerónimo el pintor”).

En torno esa época se casó con Aleyt (o Aleid) van der Mervenne, de familia muy rica, lo que le permitió vivir desahogadamente y entregarse a su vocación. Su esposa pertenecía la prestigiosa e influyente cofradía de nuestra Señora, a la que él ingresó en 1486, convirtiéndose en gran devoto, probablemente para evitar a la inquisición, pero que además lo ayudó a cultivarse artística y culturalmente.

Se cree que tenía muchos encargos por la ubicación de su casa en la ciudad (en la plaza mayor) donde pagaba uno de los tributos más altos. Además sus clientes eran burgueses, clérigos, nobles y la Hermandad de Nuestra Señora. Hay documentos que indican que entre 1488 y el 1489, pintó las alas de un políptico esculpido para esta misma confraternidad.

Entre 1500 y el 1504, se registran en Venecia muchas obras suyas en colecciones privadas, por lo que se supone que viajó a dicha ciudad aunque  no existen documentos referentes a él. Uno de sus encargos más importantes fue el de Felipe el Hermoso, en 1504, un Juicio Final, demostrando que su fama había llegado a la Corte borgoñona.

Murió en Bolduque (Países Bajos) en 1516. Durante el siglo XVI su obra fue muy imitada, y como muchas de sus obras no están firmadas ni fechadas, se les atribuyeron a sus seguidores. Luego de 1550 se despertó un interés por el Bosco en la ciudad de Amberes, entre los que figuran: Pieter Huys, Pieter Bruegel (el Viejo, muy influido por el pintor) y por el noble español Don Felipe de Guevara, cuya colección pasó a poder de Felipe II. Estos escritos colaboraron  a que los historiadores del arte moderno pudiesen distinguir las obras originales de las de sus seguidores. Su trabajo influyó en pintores surrealistas como Dalí.

Temas relacionados: El Estilo de “El Bosco” – Surrealismo

Bibliografía:
http://www.avizora.com/publicaciones/biografias/textos/textos_b/0008_bosch_hieronymus.htm
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/bosco.htm
http://www.biografica.info/biografia-de-bosco-el-768
http://www.culturageneral.net/pintura/artists/el_bosco.htm
http://www.epdlp.com/pintor.php?id=239
http://es.wikipedia.org/wiki/El_Bosco

Hieronymus Bosch, El Bosco, es conocido por su enigmática obra, de temas religiosos con gran fantasía e imaginación, en las que se expresa la preocupación a la continua presencia del pecado y la amenaza del infierno. Su estilo muestra los miedos de finales de la Edad Media, en los que la salvación religiosa era una gran obsesión.

El Bosco prácticamente no tuvo influencia de los movimientos contemporáneos, salvo por pintores de la escuela alemana (Schongauer, Grünewald) y Alberto Durero. Representa más el arte de provincias; debido a su gran imaginación de tipo onírico, sarcasmo y lo grotesco, es común que se lo clasifique como surrealista, pero en realidad se desarrolló casi medio siglo antes que este movimiento. Como fuentes principales de su obra se encuentran la cultura popular (leyendas, costumbres, dichos, refranes, las supersticiones y textos de la época), los manuscritos iluminados holandeses, grabados extranjeros y bestiarios medievales.

Su formación la desarrolló junto a su familia, tal vez por esto su técnica no sea tan desenvuelta, pintaba alla prima, es decir con la primera pincelada de óleo y sin demasiados retoques, logrando aún así obras de gran calidad y con una gama de colores de gran contraste y atrevida, totalmente innovadora. Analizando sus obras se reconoce que hacía un cuidadoso y detallado proyecto antes de ejecutarlas.

Su temática ronda en:
- La debilidad humana, tan proclive al engaño y a ceder a las tentaciones.
- El delirio.
- Relación entre motivos astrológicos, de folclore, brujería y alquimia.
- El anticristo y episodios de las vidas de santos ejemplares.
- Inclinación del hombre hacia el pecado, en desafío a Dios.
- Condena eterna a las almas perdidas en el Infierno, la locura humana, etc.
- Mundo enfangado, que se revuelca en el pecado, casi sin esperanza de salvación.
- Todo tipo de vicios humanos.
- Mensaje moralista satírico y nada pacato.

Esta temática tiene su explicación al analizar la época de su vida, es decir, La Edad Media, en la que no había organización de los estados nacionales, en los terrenos rurales se imponía la ley del más fuerte, gran ignorancia y analfabetismo, corta esperanza de vida (poco más de los cuarenta años), enfermedades endémicas, epidemias, peste y guerras que eliminaban la población, las persecuciones de la inquisición y crisis espiritual muy profunda.

Características generales:
- Simbolismos.
- Sentido del humor burlesco, a veces cruel.
- Objetos de uso cotidiano con un sentido diferente.
- Eclecticismo y estilo iconográfico propio.
- En cuanto a la figuración, personajes santos como sujetos comunes y vulnerables, con algo de caricatura.

El Bosco, tiene mucho de medieval; por otra parte nos anticipa al humanismo de la Edad Moderna y proyecta la vanguardia surrealista. Influyó en pintores casi contemporáneos, como Pieter Brueghel el Joven, y Pieter Huys, en expresionistas como James Ensor y surrealistas como Max Ernst y Dalí.

Temas relacionados: Hieronymus Bosch, “El Bosco” – Surrealismo

Bibliografía:
http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/4955.htm
http://www.avizora.com/publicaciones/biografias/textos/textos_b/0008_bosch_hieronymus.htm
http://arteyartistas.wordpress.com/2007/11/20/el-bosco/
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/bosco.htm
http://www.biografica.info/biografia-de-bosco-el-768
http://www.culturageneral.net/pintura/artists/el_bosco.htm
http://www.epdlp.com/pintor.php?id=239
http://es.wikipedia.org/wiki/El_Bosco

Análisis de sus obras:
http://aquileana.wordpress.com/2008/03/31/hieronymus-bosch-pintura-flamenca-el-jardin-de-las-delicias/
http://www.temploanciano.com/hieronymus-bosch-gran-pintor-o-visionario-del-infierno/
http://www.auladefilosofia.com/index.php?option=com_rsgallery2&Itemid=270&catid=12

1872 – 1898

Artista británico perteneciente al modernismo. Se dedicó a la ilustración (principalmente de libros). Aubrey Beardsley se hizo conocido por primera vez como “niño prodigio” debido a los conciertos que dio con su hermana, aunque posteriormente será la principal figura de la ilustración editorial inglesa de la década de 1890. A pesar de su corta vida (26 años), Beardsley ganó gran reputación gracias a su innovación.

Aubrey Vincent Beardsley nació en 1872, en Brighton, Inglaterra. En 1883 su familia se estableció en Londres (donde se destacará dando conciertos). Al año siguiente asistió a la Grammar School de Bristol. De pequeño se enfermó de tuberculosis, esto lo convertirá en persona débil durante toda su vida.

En 1888 trabajó en una oficina de arquitecto y luego en una compañía de seguros, hasta que en 1891, se encontró con el pintor Sir Edward Burne-Jones y Pierre Puvis de Chavannes le aconsejaron dedicarse al arte profesionalmente, por lo que un año después ingresó a la Escuela de arte de Westminster, a las clases del profesor Fred Brown; pero asistió muy poco tiempo, en general fue autodidacta, a los 20 años ya recibía encargos.

Se dedicó a las ilustraciones de libros y revistas. Su primer encargo importante fue Le Morte d’Arthur de Sir Thomas Malory (1893). Al año siguiente es nombrado director de arte de The Yellow Book (una revista trimestral esteticista que dirigió de 1894 a 1895, editando las primeras cuatro publicaciones y produciendo muchas ilustraciones para la misma).

También en 1894 hizo las ilustraciones para el drama de Oscar Wilde, Salomé y poco tiempo después las de la revista The Savoy y The Studio, e ilustró más libros, entre ellos Rape of de lock, de Pope, y The story of Venus and Tannhauser. En 1895 se convirtió al catolicismo, al año siguiente debido a su enfermedad quedó inválido, se fue a Francia para recuperarse.

Beardsley estuvo activo hasta que murió (víctima de la tuberculosis que padeció toda su vida) en Menton, Francia, en 1898 (a los 26 años). Su estilo particular en la ilustración tuvo una gran influencia en el diseño gráfico. También diseñó carteles y escribió obras recopiladas y publicadas luego de su muerte, con el título de Under the Hill (Bajo la colina). Así como otros artistas de su época rechazaban la industrialización del arte y del arte aplicado, Beardsley pudo dar a conocer sus obras y hacerse famoso gracias a los medios de reproducción.

Temas relacionados: Estilo de Aubrey Beardsley – Art Nouveau

Bibliografía:
http://www.artpassions.net/beardsley/beardsley.html
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/beardsley.htm
http://www.epdlp.com/pintor.php?id=2816
http://www.esotericart.com/fringe/art/symbolic/Beardsley/Thumbnails.html
http://www.juanval.net/art/beardlsey_01.htm
http://www.lasbiografias.com/ilustradores/13394_Aubrey-vincent-beardsley/
http://www.posterspoint.com/artistas/b/aubrey_beardsley_1948/biografia/
http://www.sitographics.com/conceptos/temas/biografias/Beardsley.html
http://es.wikipedia.org/wiki/Aubrey_Beardsley

Más imágenes en:
http://www.artrenewal.org/asp/database/image.asp?id=6984
http://beardsley.artpassions.net/
http://www.juanval.net/art/beardslay_02.htm
http://pintura.aut.org/SearchAutor?AutNum=13696
http://www.wormfood.com/savoy/le_morte_d-arthur/210.html

Creó ilustraciones para publicaciones y revistas periódicas, mostrando un absoluto dominio del hecho gráfico, aunque su obra solo pertenece a un periodo de seis años. Su manejo de la línea es comparada a la de Alphonse Mucha. Beardsley también hizo caricaturista en tiras cómicas políticas.

Su interés por el dibujo le surgió en la infancia pero no estudió arte hasta los diecinueve, al entablar relación con el pintor prerrafaelita sir Edward Burne-Jones, de quien se influenció en sus inicios, como se puede ver en Le Morte d’Arthur de Sir Thomas Malory, 1893. En Salomé ya aparece su estampa típicamente japonesa y clásica. En sus últimas ilustraciones el dibujo se complica con la influencia del rococó (como en The Rape of the Lock, 1895).

Características generales de su obra:
- Composiciones del mundo oriental e influencia de los prerrafaelistas.
- Asimetría.
- Contraste.
- Grandes superficies negras y blancas.
- Trazo muy estilizado.
- Líneas curvas muy marcadas.
- Líneas planas y precisas.
- Ornamentación rica.
- Luces y sombras que construyen el dibujo.
- Espacios llenos y vacíos
- Empleo exclusivo de líneas, manchas y texturas.
- Juego de positivos y negativos.
- Grandes superficies blancas con pocas sombras o superficies muy oscuras con pocas luces.
- Zonas de detalle fino con otras en las que no hay ninguno.

Sus ilustraciones tenían el estilo curvilíneo Art Nouveau y de la plasmación del espacio de los grabados japoneses, prefiriendo la sensualidad y el rechazo de las normas de la perspectiva y la proporción generalmente usadas en su época.

Aubrey Beardsley. Headpiece. Le Morte d'Arthur. 1894.

La mayor parte de su obra son elaborados con tinta y la temática es diversa (mitología, erotismo, fantasía, caricaturas, etc.). La atmósfera fatalista y el erotismo de sus obras provocaron grandes controversias.

La obra de Beardsley reflejó la decadencia de su época, legando una influencia visible en los simbolistas franceses, el movimiento del arte del cartel de 1890 y la obra de muchos artistas posteriores del Art Nouveau, como Will Bradley.

Temas relacionados: Aubrey Beardsley – Art Nouveau

Bibliografía:
http://es.wikipedia.org/wiki/Aubrey_Beardsley
http://www.epdlp.com/pintor.php?id=2816
http://www.juanval.net/art/beardlsey_01.htm
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/beardsley.htm

Más imágenes en:
http://pintura.aut.org/SearchAutor?AutNum=13696
http://www.juanval.net/art/beardslay_02.htm
http://www.artrenewal.org/asp/database/image.asp?id=6984
http://beardsley.artpassions.net/
http://www.wormfood.com/savoy/le_morte_d-arthur/210.html

1888 – 1978

Pintor de nacionalidad italiana, nacido en Grecia. Fundó el movimiento artístico Scuola Metafisica y una de las mayores influencias en el movimiento surrealista.

Nació en Bolos, Grecia; sus padres eran italianos y de familia culta, su padre apoyó la vocación artística de su hermano y de él, y lo hace tomar sus primeras clases de dibujo, con el pintor griego Mayrudis. En 1899 asistió a clases de dibujo en el Instituto Politécnico de Atenas y en 1903 en el estudio de Jacobidis (retratista griego).

Al morir su padre en 1905, Giorgio de Chirico y su familia viajan a Italia y finalmente se radican en Munich (uno de los centros de la cultura europea de ese tiempo), donde de Chirico permaneció hasta 1910. En 1906 ingresó a la Academia de Bellas Artes de Munich y entró en contacto con las obras de los filósofos de su época y con las pinturas mitológicas de Arnold Böcklin y Max Klinger (el primero fue quien influye a De Chirico al simbolismo centroeuropeo, notable en sus primeras obras).

En 1910, luego de una breve estancia en Turín (de donde surgen las plazas y arquerías solemnes de su obra), se traslada a París, allí realmente comienza su carrera. Se vincula con Paul Valéry y Guillaume Apollinaire, pero deja de lado las corrientes de vanguardia que se desarrollaban, como lo hizo por el resto de su vida, buscando sus propias soluciones pictóricas. Empezará a pintar las escenografías inquietantes de la pintura metafísica, estos cuadros despiertan interés en cubistas como Pablo Picasso y el poeta Guillaume Apollinaire. Estos contactos le permiten exponer en el Salón de Otoño de 1912 y Los Independientes en 1913 y 1914. Paul Guillaume le organiza varias exposiciones en París y publica un artículo de crítica en L’intransigeant (donde ya se lee el término metafísico para dirigirse a De Chirico). Comienza su etapa de esplendor y reconocimiento en revistas y periódicos reproducen y elogian sus obras.

En 1915 se alista en el ejército (durante la Primera Guerra Mundial), pero no se desvincula de  la cultura parisina y de los nuevos movimientos como el Dadá. En 1917 ingresó herido en el hospital militar, donde conoció al pintor Carlo Carrà. Al año siguiente fundan la revista Valori Plastici. En 1919 realiza su primera exposición individual en la Galería de Arte de Antón Giulio Bragaglia. Junto a Carrá enuncia los postulados de un nuevo estilo de pintura. Publica el manifiesto vanguardista: Noi metafisici. Carrá pintará una serie de cuadros influenciados por De Chirico, de este modo fundan en 1920 la Pintura Metafísica (corriente artística de corta duración, pero precursora del Surrealismo).

Este es para Chirico un periodo de exposiciones por toda Europa, principalmente en Francia; los artistas dadaístas, surrealistas y los maestros de la Bauhaus y de la Nueva objetividad valoran la pintura de De Chirico. En 1924 se traslada a París donde se relaciona con Breton y Louis Aragon. Al año siguiente se casa con Raissa Gurievich Kroll, bailarina de ballet ruso. Participó en la primera exposición surrealista en la Galería Pierre y su obra (cuadros anteriores a 1919) es indispensable en las ediciones de La Revolución Surrealista. En 1926 se rompe su relación con Breton.

A partir de 1929 combina su amor por el arte con la escritura y el diseño de escenarios para obras teatrales y ballets. Publica su novela Hebdomeros. Sus pinturas siguen exhibiéndose en las galerías de arte de Europa y Norteamérica. Entre 1935 y 1938 vive en Estados Unidos, consiguiendo un gran beneficio económico. Se divorcia en 1931 y se casa con Isabella Pakszwer (también conocida como Isabella Far) con quien se instala en Roma, donde pintará hasta su muerte.

Murió en Roma en 1978. Su influencia en el arte a través de la metafísica fue esencial para otros movimientos como el Surrealismo (más precisamente el Realismo Mágico).

Temas relacionados: Estilo de Giorgio de Chirico - Surrealismo

Bibliografía:
VV.AA. (2008), El siglo de Giorgio de Chirico. Metafísica y Arquitectura, Valencia: Generalitat valenciana. También Skira booking.
De Chirico, Giorgio (2004), Memorias de mi vida, Madrid: Editorial Síntesis.
Recopilación de la colección “Grandes pintores del siglo XX”,
Ed. Globus Comunicación S.A. y Ediciones Polígrafa S.A. 
http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/1569.htm
http://artespana.nosdomains.com/bio/pintores/chirico.htm
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/chirico.htm
http://www.epdlp.com/pintor.php?id=217
http://www.imageandart.com/tutoriales/biografias/dechirico/dechirico.html
http://www.portalmundos.com/mundoarte/biografia/chirico.htm
http://es.wikipedia.org/wiki/Giorgio_de_Chirico